Ir al contenido principal

 Neoplasticismo en diseño gráfico

 

La corriente  tomó forma en los países bajos transcurriendo los primeros años del siglo XX. Al principio tomó más impacto en la arquitectura y el arte mismo poco a poco fue avanzando hacia el diseño gráfico impulsando a las composiciones claras y bien estructuradas.

 

El paso más grande que se llevó a cabo podríamos decir que es el uso de la retícula para distintas composiciones. Llamamos retícula a las líneas horizontales y verticales que dividen un espacio dentro del cual se trabaja para tener orden y armonía. Fue usada para ordenar contenido impreso como folletos, revistas y letreros. Posteriormente, se la llevó al diseño web llevando el orden y precisión a otro nivel en contenido digital.

 

También se tomó el recurso del minimalismo evitando adornos y elementos innecesarios. Este enfoque eliminó decoraciones para enfocarse en el mensaje y realizar un producto atractivo. Por otro lado, los colores eran bien definido sin transiciones o degradados los cuales eran útiles para catálogos, diagramas logrando diferenciar secciones de contenido.

 

Los colores como el azul, amarillo y rojo se utilizaban para resaltar puntos como un pop de color y los colores básicos eran la superposición de los mismos y la luz es decir, blanco y negro. Lo cual generaba un impacto visual y hacía reconocible el mensaje de forma clara. También, las composiciones solían ser asimétricas distribuyendo el equilibrio visual generando un principio de jerarquía visual por el tamaño y posición de los elementos utilizados.

 

En la actualidad muchas de las marcas utilizan algunos principios del neoplasticismo como el uso de logotipos geométricos y paletas de colores con restricciones. En el diseño editorial se sigue utilizando la retícula para tener una facilidad en la lectura y el resultado de textos clave.

 

Aún se puede seguir utilizando esta corriente como recurso en cierto tipo de trabajos que necesiten legibilidad y adaptabilidad en marcas, piezas gráficas etc. La combinación de colores la hace atractiva y nos evoca a un estilo vintage. No dudes en utilizarlo en tus siguientes composiciones

 

Logotipo Club De Diseño Cochabamba





Foto de perfil [Imagen]

Recuperado de: @ cdd_cbba


Comentarios

Entradas populares de este blog

No estudié arte, pero terminé haciendo arte con propósito

  Desde muy joven, soñaba con estudiar artes visuales. El arte siempre fue mi lenguaje más sincero, mi forma de conectar con el mundo. Pero por circunstancias de la vida, ese camino no se dio. En su lugar, llegué a una carrera que, en su momento, no entendía del todo: diseño gráfico. Al inicio me sentía confundido. Sabía que no era lo mismo que una carrera de bellas artes, pero tampoco tenía muy claro hasta qué punto se alejaba o se acercaba a lo que yo amaba (artes).   Con el tiempo entendí que el diseño no es arte. El  diseño es estrategia, comunicación visual, es resolver problemas, es investigar, es proyectar soluciones. Pero eso no significa que el arte y el diseño estén peleados. Más bien, descubrí que hay un punto donde se encuentran y se complementan de formas increíbles. Ese punto de encuentro, para mí, fue la ilustración.   A través de la ilustración encontré una forma de canalizar mi necesidad expresiva y artística dentro de un marco de comunicación visual...

Redes sociales para creativos y su marca personal

  En estos últimos cinco años he aprendido que las redes sociales pueden ser una de las herramientas más poderosas para los creativos. No solo como una vitrina de exposición de lo que hacemos, sino como un espacio donde construimos una marca personal, generamos comunidad, y eventualmente, monetizamos nuestras habilidades. No es magia: es estrategia, autenticidad y consistencia.   Siempre digo que las redes sociales son como un mar abierto para los creativos. Si sabes navegar bien, con una buena dirección y entendiendo a quién quieres llegar, puedes posicionarte, vender tus productos o servicios, e incluso vivir de tu creatividad. Lo he dicho en talleres y charlas, y lo repito ahora: es una gran oportunidad para quienes entienden que crear contenido no es solo publicar,  sino comunicar con intención.   Una estrategia de contenido adecuada puede ayudarte a monetizar tus habilidades, y lo mejor es que puedes hacerlo siendo tú mismo. Porque en redes, como en la vida,...

Burnout estético – El diseño como una carga emocional.

  Ser diseñadores implica mirar el mundo con otros ojos.  Aprendemos a ver patrones donde nadie los ve, a identificar errores tipográficos en carteles del supermercado, y a pensar en composición hasta en una foto casual.  Ser diseñador no es solo una carrera:  es una forma de estar en el mundo y existir con él.   Pero esa sensibilidad visual, que es lo que nos da identidad, también puede convertirse en una jaula. En un entorno donde todo comunica, el diseñador se vuelve un filtro visual permanente para el resto de la sociedad. Nunca descansamos. Nunca dejamos de mirar. Nunca dejamos de pensar en cómo se hicieron las cosas y en las infinitas posibilidades que no existen para resolver el mismo problema.  Esta hipervigilancia estética es una doble espada: por un lado, nos mantiene alertas y creativos; por el otro, nos desgasta. Y mucho.   El burnout estético es esa sensación de estar saturado no solo de trabajo, sino de estímulo visual. Es el a...